Die Pop Art, die untrennbar mit dem Geist der 1960er Jahre verbunden ist und einer Epoche entstammt, die von einer großen kulturellen Bewegung geprägt war, hat ihre Wurzeln Mitte der 1950er Jahre in Großbritannien, bevor sie sich inmitten einer kapitalistischen Gesellschaft, die sich in einer industriellen Revolution befindet, rasch in der gesamten westlichen Welt verbreitet.
Diese Ära basierte auf den neuen Technologien, die sich die Pop-Künstler aneigneten, und diese technologischen Fortschritte durchdrangen die kulturelle Sphäre zutiefst, wobei sich die Pop-Art in den Praktiken und Verhaltensweisen einer ganzen Generation manifestierte.
In Großbritannien nahm die Bewegung unter dem Einfluss von Richard Hamilton Gestalt an, während in Frankreich Künstler wie der Bildhauer César zu ihr beitrugen. In den späten 1950er Jahren entstand die amerikanische Pop Art mit Künstlern wie Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, David Hockney und James Rosenquist.
Diese Bewegung ist jedoch nicht mehr nur auf die bildende Kunst beschränkt, sondern erstreckt sich auf so unterschiedliche Bereiche wie Musik, Mode, angewandte Kunst und viele andere Aspekte der Kultur.
Die Geschichte der Pop Art
Der Begriff "Pop Art" wurde erstmals von Mitgliedern der als Independent Group bekannten Gruppe von Intellektuellen verwendet. Sie trafen sich am Institute of Contemporary Arts (ICA) in London und untersuchten die Auswirkungen von Massenmedien und Technologie auf die Gesellschaft. Die Pop Art entstand Mitte der 1950er Jahre in Großbritannien und nahm gegen Ende der 1950er Jahre in den Vereinigten Staaten eine andere Form an.
In den Vereinigten Staaten stellte sie die künstlerischen Konventionen in Frage, indem sie argumentierte, dass die Massenproduktion es ermöglicht, ein breites Publikum zu erreichen. Es ist wichtig, einen klaren Unterschied zwischen der britischen Pop Art und ihrem amerikanischen Pendant zu machen. Die britische Pop Art ist eher ironisch oder gar parodistisch und steht der amerikanischen Kultur kritischer gegenüber.
Die amerikanischen Werke kommen wegen ihrer Einfachheit und Zugänglichkeit gut an.
Die Künstler verwendeten häufig neue, aus der Konsumgesellschaft stammende Materialien, wie Acryl und Siebdruck. Neben der Malerei werden in der Pop Art auch Techniken eingesetzt, die früher eher als industriell denn als künstlerisch galten. Die Farben waren oft leuchtend und nicht mit der Realität übereinstimmend, manchmal in Schwarz-Weiß. Andy Warhol, der als Pionier der Pop Art gilt, machte sich Alltagsgegenstände wie eine Glasflasche oder eine Dose Campbell's Suppe zu eigen und verwandelte sie in Kunstwerke.
Diese Bewegung erschütterte auch die Kunstwelt, indem sie das Prinzip der Einzigartigkeit eines Kunstwerks in Frage stellte. Warhol reproduzierte seine Werke zu Dutzenden, ja sogar zu Hunderten, was im Widerspruch zu den traditionellen Vorstellungen stand, die einem Werk aufgrund seiner Einzigartigkeit Wert beimaßen. Nach der Zeit des abstrakten Expressionismus, der ungegenständlich war und sich an eine Elite richtete, führte die Pop Art auch das Reale und Populäre wieder in die Malerei ein.
Die Pop Art verwendet populäre Symbole, die von Kindheit an im Unterbewusstsein verankert sind, mit dem Ziel, das Kunstwerk zu entmystifizieren, das zuvor einer Elite vorbehalten war und sich nur mit edlen Themen befasste. Von Mickey Mouse über Marilyn Monroe bis hin zu Mick Jagger zelebriert er die fast universelle Bewunderung für bestimmte Ikonen, je nach Künstler neutral oder nicht. Die Werbekultur der Konsumgesellschaft ist eine weitere Inspirationsquelle, so auch für Jasper Johns.